Традиционная китайская живопись (гохуа) имеет древнюю историю и прекрасные традиции. В области мирового искусства она занимает свою уникальную нишу, играя важную роль в поддержании нравственности людей.
Существуют три основные темы китайской живописи: персонажи или жанровая живопись, пейзаж, цветы и птицы. В гохуа применяются такие техники рисования, как «тонкая кисть» (гунби), «живопись идей» (се-и) и сочетание этих двух техник. В качестве инструментов используются специально изготовленные кисти, тушь, бумага и каменные тушечницы. В основе формирования изображения лежат линии, а дополнительным являются цвета.
Живопись имеет одинаковое происхождение с каллиграфией. Для выражения мыслей и чувств эти два вида искусства используют линии. Живопись тесно взаимодействует с поэзией, каллиграфией и даже гравировкой печатей. Таким образом сформировалась некая художественная особенность «четыре в одном»: поэзия, каллиграфия, живопись и печати. Говорят даже, что каллиграфия и живопись неотделимы друг от друга.
Начало развития
Развитие китайской живописи, подобно рекам Хуанхэ и Янцзы, имеет долгую историю. Согласно древним записям, начиная с периода Воюющих царств (476 – 221 гг. до н. э.) и до последней династии Цин (1644—1912 гг.) в Китае было более 10 тысяч известных художников. Они внесли неоценимый вклад в развитие этого вида национального искусства.
На заре цивилизации, в эпоху неолита древние люди использовали простые три цвета ― чёрный, белый и красный ― и с помощью грубых линий изображали различных персонажей и животных. Сюжеты живописи того периода в основном отражали быт людей и почитание Богов. Это была зародышевая стадия китайской живописи.
Значительное развитие искусство живописи получило в период Воюющих царств и последующих двух ханьских династий. Глядя на археологические находки, например, такие, как бронзовый таз с рисунками из провинции Хэнань, рисунок на шёлке из Чанша и другие, можно узнать, что в те времена художники уделяли большое внимание эмоциональному смыслу. Они не просто выражали какие-то сюжеты в общем, будь природа, мир Богов или людей, изображаемые ими сцены стали более детализированными и наполненными. Хотя они и использовали простые техники, картины были уже довольно реалистичны и выразительны. Таким образом, линии, а также лёгкие цвета впоследствии стали основными элементами и традициями китайской живописи. Данный период истории был важным этапом развития этого вида искусства.
Во времена периода Вэй-Цзинь (220-420 гг. н. э.), а также последующей за ним эпохи Южных и Северных династий (420-589 гг.) искусство живописи процветало. Среди известных художников тех лет были Гу Кайчжи, Се Хэ, Лу Танвэй, Чжан Сэнъяо и другие. В то время основными объектами живописцев были пейзажи, цветы и птицы, а также животные. Пейзажная живопись в то время отделилась от портретной живописи и стала самостоятельным видом гохуа.
Возникновение теории живописи
В это время появилось несколько выдающихся теоретиков живописи, оказавших большое влияние на последующие поколения художников.
Одни из них ― Гу Кайчжи (IV в. н.э.), выдвинул две концепции: «выражение сущности через форму» и «использование воображения, для достижения изысканной красоты». Он отмечал, что в живописи необходимо стремиться не только к правдоподобию внешнего образа, но и к выражению внутренней духовной сущности. По мнению Гу, живость формы должна основываться на чувстве и понимании художника, а внутренняя составляющая картины зависит от его мировоззрения и личного духовного уровня. «Использование воображения», о котором говорил Гу, означает, что художник сублимирует свои собственные идеи и понимание жизни в объекты живописи, добиваясь таким образом смешения воедино чувств и сцен, вещей и явлений, добавляя в них возвышенное очарование. Именно после этого происходит «достижение изысканной красоты», когда внешняя форма пропитывается мыслями и чувствами живописца, создавая более тонкий и глубокий художественный образ.
Другой известный теоретик китайской живописи, а также художник-портретист, Се Хэ (V в. н. э.) выдвинул свои знаменитые «Шесть законов живописи», которые описал в книге «Заметки о категориях старинной живописи». Сформулированные им шесть принципов следующие:
- «Одухотворённый ритм живого движения» ― необходимость передавать живую сущность того, что изображает художник;
- «Структурный метод пользования кистью» ― умение движением кисти передать саму суть изображаемого;
- «Соответствие изображения реальному образу вещей» ― необходимость изображать форму предметов такой, какая она есть в реальной жизни;
- «Добавление цвета в зависимости от категории» ― умение правильно накладывать цвет, правильно видеть цвета и его оттенки;
- «Управление расположением [объектов]» ― необходимость правильной композиции рисунка;
- «Передача и копирование» ― необходимость строго следовать древним традициям и канонам живописи.
Это были уже более систематичные правила китайской живописи, которые используются и в наше время.
Духовный мир живописи
В тот период в Китае процветал буддизм. Поэтому большое развитие получило искусство живописи, связанное с буддистскими сюжетами. Одной из дошедших до нас сокровищниц произведений искусства того времени является пещера Могао в провинции Ганьсу. Её стены богато расписаны множеством фресок, выполненных клеевыми красками разных цветов.
Многие известные живописцы того времени также занимались духовным самосовершенствованием. Один из них ― Чжан Сенъяо, который практиковал даосизм. С ним связана китайская идиома «нарисовав дракона, дорисовать ему зрачки», означающая выделить суть, сделать завершающий штрих. Согласно легенде, однажды Чжан нарисовал на стене храма несколько драконов, которые выглядели как живые, но у них не было глаз. Люди, заметив это, попросили художника дорисовать глаза, на что тот ответил: «Если я дорисую им глаза, они улетят». Никто в это не поверил и люди продолжали настаивать, чтобы Чжан всё же завершил свою картину и нарисовал глаза. Тогда Чжан поставил двоим драконам точки в форме зрачков, и вдруг в этот миг небо затянуло тёмными тучами, засверкали молнии, загрохотал гром, два дракона отделились от стены и улетели в небо.
Переход к зрелости и процветанию
В истории гохуа мостиком для перехода от живописи ранних династий к более зрелому искусству стала династия Суй (581―617 гг.). Её живописное искусство использовалось в основном знатью для эстетического наслаждения и поклонения Богам. Жанры живописи того периода включали храмовые фрески и картины в свитках, а среди изображаемых объектов были в основном пейзажи и различные персонажи. Одна из наиболее знаковых картин того времени «Прогулка весной» художника Чжана Цзыцяня.
Таким образом, развитие пейзажной живописи в то время практически полностью завершилось, и вошло в стадию изысканного мастерства.
Далее с приходом династии Тан (618 ― 907 гг.), начался один из самых блистательных периодов китайской цивилизации. Наряду с бурным развитием литературы, поэзии, музыки, танца, скульптуры и каллиграфии, в этап процветания также вступила и живопись. В это время картины были разделены в основном на такие жанры, как персонажи, пейзажи, цветы и птицы, духи и боги, кони, архитектура и другие. Стилей рисования также стало гораздо больше, и они стали более выразительными. Большое внимание живописцы той эпохи уделяли сюжетам, отражающим общественно-политическую жизнь, а для изображения природы появилась манера рисования «тёмно-зелёный пейзаж» и «монохроматический пейзаж», то есть, пейзаж, написанный тушью.
Среди наиболее выдающихся художников того периода были: Янь Либэнь, Ли Сысюнь, У Даоцзы, Ван Вэй, Цао Ба, Хань Гань, и другие. Немало работ этих мастеров дошли до наших дней и считаются шедеврами китайской живописи.
Живопись в эпоху династии Тан была тесно связана с тогдашней литературой и искусством. Многие танские поэты, такие как Ли Бай, Ду Фу, Гу Куан и Бай Цзюйи написали множество стихотворений о живописи. А художник Ван Вэй говорил, что «в стихах содержатся картины, а в картинах содержатся стихи».
Картины последовавших за династией Тан эпохи Пяти династий и двух династий Сун отличались яркостью и пестротой красок. Пик развития гохуа произошёл в эпоху династии Сун, что впоследствии было названо «периодом расцвета китайской живописи».
В то время такие жанры, как персонажи, пейзаж, цветы и птицы постепенно развились как самостоятельные дисциплины живописи. В жанре цветов и птиц возникли два стиля: насыщенный цвет Хуан Цюаня и бледный цвет Сюй Си. В пейзажной живописи создавали величественные панорамные пейзажи, используя концепцию «поиск чудесного для создания реального».
Персонажей в то время уже изображали не только поверхностно, а сосредотачивались на выражении их внутреннего мира.
Расцвет живописи во время династии Сун вызвал также многочисленные дискуссии и исследования в этой области. До наших дней дошли более 20 трактатов и произведений того периода, авторы которых рассматривали такие вопросы, как выразительность, понимание художниками реального мира, отношение к наследию древних, социальная роль живописи и т.п. Многие конкретные и глубокие идеи, высказанные в этих трудах, имеют важное практическое значение и поныне.
Возникновение любительской живописи
Во время последующих династий Юань, Мин и Цин общая тенденция искусства живописи пошла на спад. В этот период возникла живопись художников-литераторов, то есть аматорская живопись.
Когда монголы вторглись в Китай и установили династию Юань, некоторые художники, отказавшиеся служить завоевателям, использовали живопись, чтобы выразить свои эмоции и свой протест. Поэтому в течение некоторого периода времени в живописи была очень популярна простота и лёгкость, а не сложность и утончённость. Широко распространёнными темами в это время стали пейзажи, которые не требовали слишком большой реалистичности и позволяли легко выражать эмоции, а также сливы, орхидеи, бамбук и хризантемы, с помощью которых можно было легко выражать высокие и чистые устремления. Живопись стала всё больше сливаться с литературой, поэтому надписи и печати стали рассматриваться как неотъемлемая часть картины.
Большинство художников-пейзажистов династии Юань жили в уединении в горах и лесах, практиковали медитацию и занимались различными духовными практиками, особенно даосизмом. Художественные произведения того периода вызывают у людей ощущение запустения и унылости, независимо от того, какое время года и какие именно пейзажи на них изображены ― высокие горы или пологие склоны. Эти картины в полной мере отражают отношение их авторов к общественной жизни, их более глубокое понимание природы и чувствительность к искусству.
Возникновение аматорской живописи изменило ситуацию, сложившуюся во времена династии Сун, при которой доминировала живопись академического стиля.
Роль китайской живописи в обществе
Говорят, что традиционную китайскую живопись передали людям Боги. Её чарующие образы, тонкие мазки, цветовые гаммы, глубокие мысли, философия и поэзия составляют её неповторимое очарование. Она прославляет Богов, красоту и свет, порицает зло и пороки и всё это играет значительную роль в поддержании морали общества. Из китайских картин мы можем увидеть лучезарный и беспредельный мир, ощутить милосердие Богов, добро и зло, правду и неправду в человеческом мире, обрести вдохновение и очистить душу.
На протяжении веков все выдающиеся китайские художники пытались исследовать глубокую связь между человеком и Богом и понять истинный смысл жизни, выражая всё это посредством метафор, аллегорий, символов и других приёмов. Таким образом, великолепие китайской живописи исходит не только из её художественных приёмов и способов выражения, а также из глубокого жизненного опыта художников и их духовной сферы.
Господин Ли Хунчжи, основатель Фалуньгун, сказал: «Изобразительное искусство является очень важным для человечества, оно так же, как и другие формы культуры человечества, может в обществе людей, в представлениях человека играть направляющую роль, влиять на эстетические представления людей. Понятие красоты, правильное понятие красоты, которое должно быть у людей, очень тесно связано с критериями нравственности человека. Если же человек некрасивые вещи принимает за красивые, то мораль человечества уже никуда не годится».
По материалам Мinghui.org
